Procesos creativos y chorizo

CHORIZO:

 Despues de hacerme wey casi todo el mes al fin decidi poner al corriente a la bitacora para poder continuar con las siguientes clases y no atrasarme tanto. No estoy segura de cuantas clases evite actualizar y cuantas no tuvimos asi que despues de esta actualizacion comenzare a nombrar las clases por la fecha y/o tema.

RESUMEN. ESQUIZOFONIA, SONORIDADES, INSTRUMENTOS Y TERROR.

     Tuvimos varias clases donde volvimos a traer los instrumentos, por ejemplo la clase 10 fue repetir las actividades de la clase anterior pero ahora intentando analizar lo que estabamos haciendo y no solamente hacer ruidos por hacerlos. Fue um caos total, puesto que por mas que intentabamos aproximarnos al paisaje sonoro que estabamos escuchando pareciamos querer modificar de manera forzada el ambiente para despues fingir que esos sonidos extraños y fuera de lugar ya eran parte del fondo. En estas clases con instrumentos intente ir variando, la primera vez lleve mis bongos, a la segunda clase lleve un egg shaker (huevito shakashaka que por cierto  no ayudo mucho pues estuve un buen rato como tonta intentando descifrar como dejar de verlo como un huevito e intentar que me diera mas material para utilizar), la tercera clase con instrumento lleve un kalimba y estuvo divertido, comenzamos a describir paisajes sonoros con sus respectivas caracteristicas y despues procedimos a imitarlos ¿paisaje sonoro?.

     El paisaje sonoro (por si no lo recuerdan... o por si no lo recuerdo yo) es el conjunto de sonidos que se perciben en un entorno determinado. Este concepto no se refiere solo a ruidos o música, sino a toda la experiencia auditiva de un lugar: voces, animales, máquinas, el viento, el agua. Este termino fue popularizado por el compositor y ecologista sonoro R. Murray Schafer en los años 70. Estudiando cómo los sonidos afectan nuestra vida y cómo podemos analizarlos como si fueran parte del “ambiente”, igual que el paisaje visual. Contando asi con sonidos naturales, humanos y mecanicos. Después de investigar a algunos artistas Fluxus puedo entender que abrieron el camino para una nueva forma de escuchar el mundo, sentando las bases de lo que hoy entendemos como paisaje sonoro y son quienes deberían ser un referente para entender el arte moderno y contemporáneo. Un ejemplo clave es “Event Score”, de George Brecht, una serie de partituras minimalistas que proponían acciones simples como “abrir y cerrar una ventana”. Estas acciones, aunque silenciosas en apariencia, revelan un universo sonoro: el crujido del marco, el viento entrando, los sonidos del exterior, etc. Este tipo de obra transforma cualquier gesto en una experiencia auditiva. La sonoridad, (entendida como la cualidad acústica de los cuerpos y espacios) fue central en muchas obras Fluxus donde los artistas no solo creaban sonidos, sino que se preocupaban por enfocar los sonidos externos, sonidos del mundo como el cuerpo, los objetos, la arquitectura. 

     Y es a partir de esta sensibilidad que emerge el concepto de paisaje sonoro. En el libro Fluxus, se hace referencia a la pieza de Max Neuhaus, “Listen”, en la que el artista simplemente conducía a un grupo de personas por la ciudad, pidiendoles que escucharan. Sin ningun sonido  artificial la obra residia en la actitud de aquel oyente, algo totalmente fluxus. Otro ejemplo es el trabajo de Alvin Lucier, especialmente “I Am Sitting in a Room”, donde la voz del artista se graba y regraba en una sala hasta que solo quedan las resonancias de la arquitectura. El espacio mismo “canta” con su propia voz.

     ¿Fue lo unico que hicimos? No. Tambien tuvimos clases dentro del salon donde el maestro Cuevas procedia a poner una obra a la cual nosotros debiamos prestar atencion y dejarnos fluir al mismo tiempo, procesando a que nos recuerda, el tiempo de duracion, los instrumentos utilizados, los movimientos, el momento historico, lugar, etc. Yo la verdad en estas clases me enfoque mucho en el "como se realizaron", por ejemplo los instrumentos ¿para que instrumentos fue escrita? ¿cuantos intrumentos son? ¿como lo hicieron? ¿golpearon el cello?¿fue un arpa?¿eso fue un tamtam o un gong? Son preguntas que nunca pare de hacer en mi cabeza; podria incluso admitir que le preste mas atencion a eso que a si me sonaba a algo aterrador, post apocaliptico, etc. En estas clases comenzamos a diseccionar las obras hasta llegar a conocer el periodo y la ubicacion en la cual fueron escritas segun caracteristicas de que tan vanguardista era, que tanta pulcritud tiene o incluso si suena muy parecido a otras obras. Una de las piezas que recuerdo fue la segunda.

 Okanagon (1968) – Giacinto Scelsi.

     "Okanagon" es una obra compuesta en 1968 por el compositor italiano Giacinto Scelsi, pensada para un trío poco convencional: arpa, contrabajo y tam-tam (un gran gong). Esta instrumentación poco usual refleja el interés de Scelsi por explorar la sonoridad pura, la vibración del sonido y su capacidad espiritual y mística. Esta pieza no se desarrolla a través de melodía o armonía en el sentido tradicional, pues, Scelsi trabaja con texturas, microvariaciones y resonancias. El sonido parece surgir de la nada y flotar, como si estuviera en un estado ritual o meditativo. El arpa no suena como en la música clásica; se transforma en un instrumento percusivo y misterioso. El contrabajo, por su parte, produce graves vibrantes, bordes casi distorsionados, mientras el tam-tam aporta una atmósfera casi ancestral o chamánica. Y el nombre "Okanagon" sugiere una referencia a lo indígena o lo ancestral, aunque Scelsi nunca explicó con exactitud su origen. Lo importante en su obra no es el significado literal, sino el viaje sonoro y espiritual que propone. En este sentido, "Okanagon" no es solo una pieza musical, sino una invocación vibracional: una experiencia que se escucha, se siente en el cuerpo y, de algún modo, se medita.

Video: https://www.youtube.com/watch?v=Wbc2qQ5Z75w 

(en este momento es de madrugada y si no duermo no me despertare para la clase de la mañana y ya tengo muchas faltas si no actualizo pronto sepan que en cuanto me livere le continuare, si no es en esta misma clase sera en la siguiente)

Actualizacion

ALGUNAS OBRAS INSPIRADAS EN EL PAISAJE SONORO, QUE LO TOMAN COMO REFERENCIA O SE ASEMEJAN.

John Cage – 4’33’’ (1952).Aunque Cage no fue formalmente parte de Fluxus, inspiro a los artistas del movimiento. En esta pieza, el intérprete no toca su instrumento durante 4 minutos y 33 segundos, permitiendo que el "sonido ambiente del entorno" se convierta en la música. Es una referencia fundamental cuando hablamos de paisajes sonoros en Fluxus.

George Brecht – “Drip Music” (1959–62). Consiste en dejar caer gotas de agua de manera controlada. Esta obra convierte el sonido natural del agua en un evento performático y contemplativo, transformando lo cotidiano en arte. Se puede considerar un "micro-paisaje sonoro".

Yoko Ono – "Secret Piece" (1953). Instrucción: “Decide on one note that you want to play. Play it with the accompaniment of the morning birds at 5 a.m.” Aquí el paisaje sonoro natural (aves al amanecer) se vuelve parte integral de la pieza. 

Nam June Paik – “Random Access” (1963). Aunque se centró más en lo visual y lo mediático, algunas de sus obras incluyen radio y cinta magnética como materiales. Estas piezas permiten que el espectador manipule y experimente el sonido, muchas veces incluyendo grabaciones de campo o ruido ambiental.

Takehisa Kosugi – obras experimentales con sonido. Miembro cercano al círculo Fluxus, Kosugi trabajó con improvisación, sonidos ambientales y acciones en espacios abiertos, donde el entorno influía directamente en la creación sonora.

Algunas características comunes en estas obras son el uso del entorno como instrumento, rechazo de la música estructurada convencional, la apertura a la interpretación y participación del público e instrucciones simples (event scores) como forma de partitura